broadwayvez

Il y a eu les quatre saisons de Vivaldi. Maintenant, il y a les 5 saisons de Damien Chazelle : La La Land. Raconté en quatre actes successifs et un cinquième plusieurs années plus tard, le long-métrage est déjà un chef-d’oeuvre, à quelques semaines d’être couronné à la cérémonie des Oscars. Oubliez les comédies musicales adaptées au grand écran ou les films musicaux où chaque envolée chantée vous fait grincer des dents!* La La Land ne peut tout simplement pas être comparé avec ce qui a été fait par le passé.

*Ne le prenez pas mal. J’ai beau être un adepte de Broadway au point de frôler
la maladie mentale, les adaptations cinématographiques du genre me laissent
habituellement un goût amer à la bouche (excluez les récents Into the Woods
et Les Misérables à cette dernière phrase!)

Il est tout simplement impossible de trouver les mots justes pour décrire le long-métrage de l’auteur et réalisateur Damien Chazelle. Est-ce un hommage aux belles années du jazz? Est-ce un voyage dans le temps au beau milieu du Los Angeles des années 1940? Est-ce le regard de deux artistes nostalgiques sur notre époque contemporaine? La réponse est simple : La La Land est à la fois tout ça et rien de tout ça. C’est un hommage sans aucune intention d’être une reconstitution historique. C’est un voyage dans le temps davantage nostalgique que réaliste. Ce sont une foule de petits clins d’œil au passé sans aucun souci de chronologie. Et tout ça, dans une histoire qui se déroule hier, aujourd’hui ou peut-être demain!

La réalisation de Chazelle nous coupe le souffle dans ses moments les plus contemplatifs, et nous ramène aussitôt les deux pieds sur Terre dans son réalisme et ses petits irritants du quotidien. Une magnifique séquence dansée et chantée s’estompe et au moment où on a envie d’applaudir comme si l’on était assis dans un théâtre de Broadway, un système d’alarme se fait entendre. Une montée dramatique vers un premier baiser dans une salle de cinéma vintage est interrompue par un problème technique du projecteur. Un silence amoureux rempli de sous-entendus est brisé par un texto entrant.

La direction artistique globale est tout simplement impeccable. Les prises de vue sont magnifiques, les effets spéciaux sont bien amenés, les envolées artistiques (et chorégraphiques!) sont contrôlées et l’utilisation des éclairages est d’une très grande théâtralité. Ajoutez à cela des plans-séquences complexes et des scènes intimes tout en simplicité et vous avez un long-métrage où feux d’artifice et long fleuve tranquille ne font qu’un.

Chazelle a réussi un coup de maître : mettre le plus possible de clichés cinématographiques dans un même film, sans jamais nous donner envie de rouler les yeux. Ces procédés stylistiques sont pleinement assumés et ajoutent au côté « hommage » de l’oeuvre. Ces répliques préfabriquées et surutilisées à Hollywood depuis l’époque de James Dean et Vivien Leigh prennent soudainement tout leur sens et cadrent parfaitement dans l’ambiance créée par le prolifique réalisateur et scénariste de 32 ans.

Les nombreuses scènes à la fois esthétiques et réalistes sont autant d’hommages à l’âge d’or d’Hollywood que de références à des créateurs modernes. Et pour clore ces 120 minutes de pur bonheur? Une boucle scénaristique bouclée magnifiquement avec une séquence à vous couper le souffle. Une fin parfaitement imparfaite qui vient placer l’oeuvre de Chazelle dans la marge des films musicaux auxquels Disney et tous les autres nous ont habitués.

Après ces six paragraphes d’éloges, vous êtes maintenant convaincu que les producteurs du film m’ont offert des pots-de-vin en échange d’une critique parfaite? Détrompez-vous, je n’ai pas tout aimé! Par exemple, le numéro chorégraphique qui fait office d’ouverture m’a fait un peu peur. Suis-je assis devant la suite de Mamma Mia! où les quais d’une île grecque ont été remplacés par une bretelle d’autoroute californienne? Heureusement pour moi, une fois cette première chanson terminée, j’ai tout de suite oublié ce douloureux souvenir de Pierce Brosnan et Amanda Seyfried qui chantent les succès d’Abba et j’ai sauté à pieds joints dans l’univers créé par Damien Chazelle. D’autres points négatifs? Et bien non!

Côté interprétation, il n’y a pas de doutes qu’Emma Stone et Ryan Gosling sont nés pour les rôles de Mia et Sebastian. Depuis ses touts débuts au grand écran, Stone a des airs de star hollywoodienne de la belle époque. Son jeu est tout en nuance et sa voix est d’une solidité surprenante (merci à ses 14 semaines passées à jouer Sally dans Cabaret sur Broadway en 2015 à raison de 8 représentations par semaine). La scène où elle interprète la chanson nominée aux Oscars « Audition (The Fools Who Dream) » vaut le déplacement à elle seule! De son côté, Gosling joue son personnage complexe toute en subtilité et sa voix chantée est surprenante. Il n’a pas la solidité de sa partenaire à l’écran, mais le personnage de Sebastian ne pourrait tout simplement pas être interprété par un exubérant ténor. Au-delà des deux têtes d’affiche, la distribution qui les entoure est judicieusement choisie. J’ai adoré la présence de John Legend dans le rôle d’un ambitieux chanteur jazz et l’utilisation « clin d’oeil » de J.K. Simmons, qui avait remporté un Oscar d’interprétation pour le dernier film de Chazelle, Whiplash.

La trame sonore signée par Justin Hurwitz est un chef-d’oeuvre d’une authenticité déconcertante. Pour un compositeur d’à peine 30 ans, l’artiste a une maîtrise complète des époques et des styles auxquels il rend hommage. Pour son travail sur La La Land, il est nominé pour trois Oscars, l’un pour sa trame sonore et les deux autres pour deux chansons individuelles. En tant que fan de comédie musicale, j’étais particulièrement fier de voir les noms de Benj Pasek et Justin Paul au générique, eux qui signent les paroles. Ces derniers oeuvrent depuis quelques années sur Broadway et connaissent présentement un succès monstre avec leur dernière création : Dear Evan Hansen.

En conclusion, je peux vous dire que je me suis assis dans la salle de cinéma en ayant des attentes grimpées jusqu’au plafond. Les critiques unanimes, la pluie de trophées aux Golden Globes et les 14 nominations aux Oscars n’aident pas à faire descendre les attentes. Pourtant, en ayant cet ouragan de commentaires positifs en tête, La La Land m’a tout de même jeté par terre. C’est peu dire pour exprimer toute la beauté et toute l’intelligence de ce long-métrage. Je vous le dis, courez voir La La Land. NON, mieux encore : dansez voir La La Land.

Ce n’est plus un secret pour personne, la comédie musicale Hamilton est une révolution, encore aujourd’hui, près de deux ans après ses débuts à New York! Le génie derrière l’œuvre, Lin-Manuel Miranda, est passé de «talentueux compositeur de Broadway» à «génie créatif le plus en demande aux États-Unis». En quelques mois, il a remporté deux Tony Awards, a écrit un excellent livre sur la création d’Hamilton, a réussi à faire changer d’idée le Département du Trésor des États-Unis qui voulait retirer Alexander Hamilton du billet de 10$, a mis la main sur le prestigieux prix Pulitzer, a écrit la musique du nouveau film de Disney Moana, a signé pour jouer dans le long-métrage Mary Poppins Returns aux côtés d’Emily Blunt, a animé une édition record de Saturday Night Live et a préparé les productions à venir d’Hamilton à Chicago, Londres et San Francisco. Bref, le gars ne dort pas  😉

Parmi tous ses projets post-Hamilton, Lin-Manuel Miranda a lancé l’album The Hamilton Mixtape, dont le volume 2 serait déjà en production. Le concept est simple : l’album regroupe des reprises de chansons de la comédie musicale et des pièces inspirées de l’œuvre, le tout interprété par une brochette d’artistes 5 étoiles : Usher, Sia, John Legend, Queen Latifah, Kelly Clarkson, Jimmy Fallon, The Roots, Wiz Khalifa, Alicia Keys, Nas, Ashanti, Ja Rule et plusieurs autres.

Pour la petite histoire, Lin-Manuel Miranda avait d’abord eu l’idée d’écrire un album de rap inspiré du père fondateur Alexander Hamilton intitulé The Hamilton Mixtape. À force d’écrire, le projet d’album est devenu une comédie musicale et le reste est entré dans l’histoire. The Hamilton Mixtape, qui paraît 18 mois après les débuts de l’œuvre sur Broadway, est donc un retour à l’idée originale de son créateur.

Maintenant, la grande question : l’album est-il bon? TOUT À FAIT! Par contre, si vous voulez comprendre l’engouement autour d’Hamilton, la trame sonore de Broadway est l’album qu’il vous faut. Les performances des acteurs originaux de Broadway sont profondément senties et ceux-ci ont une maîtrise parfaite de leur personnage, des chansons, des intentions, etc. Pensez-y : lors de l’enregistrement du «Original Broadway Cast Recording», les acteurs new-yorkais avaient déjà donné plus d’une centaine de représentations de la comédie musicale!

Du côté du Hamilton Mixtape, on ne retrouve pas ces performances intenses d’acteurs qui interprètent des personnages. Par contre, on retrouve des artistes musicaux qui ont une maîtrise parfaite de leur art. Que ce soit par le rap ou le chant, on ne peut nier que nous sommes en présence d’interprètes de haut calibre!

De plus, même si l’album de Broadway révolutionnait la façon d’enregistrer et de produire une trame sonore pour une comédie musicale (Hamilton a facilement remporté le Grammy for Best Musical Theater Album), The Hamilton Mixtape met la barre encore plus haute. Le producteur et musicien Questlove (du groupe The Roots) et Lin-Manuel Miranda avaient réalisé l’album de Broadway et répètent leur travail pour le Mixtape. L’absence des contraintes de production d’une trame sonore de comédie musicale leur donne une liberté immense. Pour produire un bon cast recording, les réalisateurs de l’album tentent de recréer la magie qui opère sur scène soir après soir, sur un album. Dans le cas de l’album d’Hamilton, c’est très réussi! Avec The Hamilton Mixtape, les barrières tombent et les deux artistes ont réalisé un album complètement éclaté. On est complètement à l’opposé d’une trame sonore uniforme, chaque chanson ayant sa propre couleur unique.

Quand on est fan d’Hamilton comme je le suis, la première écoute des réinterprétations du Hamilton Mixtape est difficile à apprécier. On est habitué à l’enchaînement naturel des chansons, à l’esthétisme sonore uniforme et aux interprétations des acteurs originaux. Par contre, quand on se rappelle que le Mixtape n’est en fait qu’un collage inspiré de la comédie musicale, on apprécie davantage. Si l’album de Broadway permet de comprendre toutes les subtilités de l’histoire et de ses personnages complexes, le Mixtape permet plutôt d’apprécier le génie musical et mélodique des chansons.

Mes coups de cœur?
Tout d’abord, je ne peux passer sous silence les deux démos de l’auteur-compositeur Lin-Manuel Miranda, qui sont en fait deux chansons écrites pour la comédie musicale qui n’ont pas été retenues au final. Quand on connaît bien la pièce, on peut s’imaginer l’emplacement et la pertinence des chansons « Valley Forge » et « Cabinet Battle #3 ». Une troisième chanson coupée d’Hamilton intitulée « Congratulations » fait également partie du Mixtape, interprétée avec brio par la rappeuse Dessa.

Personnellement, parmi toutes les reprises de chansons de la comédie musicale qui font partie du Mixtape «Satisfied» de Sia (avec Miguel & Queen Latifah) et «History Has Its Eyes on You» de John Legend se démarquent. Les interprètes aux voix exceptionnelles saisissent parfaitement l’état d’esprit des personnages et offrent des performances uniques et senties. Parlant de reprise, le duo « Helpless » d’Ashanti et Ja Rule semble tout droit sorti du début des années 2000 et fera sourire ceux qui ont connu cette époque ou les duos R&B/Hip Hop avaient la cote.

Mon plus gros coup de cœur est définitivement « You’ll Be Back » interprétée par l’humoriste et animateur Jimmy Fallon. Lin-Manuel Miranda n’a jamais caché l’influence de la britpop des années 60 dans les trois chansons du seul personnage britannique de l’œuvre, le roi George III. Dans la version du Mixtape, on se croit au beau milieu de l’océan dans le Yellow Submarine de Paul, John, George et Ringo. Les sonorités beatlesques sont pleinement assumées, ce qui fait de « You’ll Be Back » l’un des meilleurs morceaux de l’album.

Finalement, je me dois de lever mon chapeau aux chansons originales inspirées d’Hamilton qui se retrouvent sur l’album. Plusieurs artistes, plutôt que de faire une reprise de la comédie musicale, ont créé des pièces originales. La chanson «Immigrants (We Get The Job Done)» de K’NAAN, Snow Tha Product, Riz MC et Residente, inspirée d’une ligne humoristique chantée à la fin de l’Acte 1, est excellente. La chanson est porteuse d’une grande rage et est d’une grande résonnance, surtout à l’aube de l’ère anti-immigration que le Président élu Trump promet.

Et mes coups de gueule?
Comme mentionné précédemment, plusieurs chansons du Mixtape sont des reprises de chansons de la comédie musicale. Si Kelly Clarkson, Sia et John Legend ont réussi à se réapproprier certaines pièces, d’autres artistes comme Regina Spektor et Andrea Day ont échoué à la tâche. Leur interprétation de « Dear Theadosia » et « Burn » ne sont pas mauvaises, mais ces nouvelles versions ne sont que de pâles copies des versions originales de Broadway. Spektor et Day n’amènent absolument rien de nouveau, se contentant simplement d’imiter les interprètes originaux.

J’avais de grandes attentes pour les chansons de Wiz Khalifa et Alicia Keys sur le Mixtape. Je ne peux pas dire que j’ai été déçu, mais je ne peux pas dire que j’ai été surpris ou impressionné. « That Would Be Enough » met en valeur la magnifique voix d’Alicia Keys, mais elle n’a rien amené de nouveau à la pièce. Wiz Khalifa, de son côté, offre une performance sans artifices avec « Washingtons By Your Side ». Dans les deux cas, je suis resté sur ma faim et je considère que ces deux morceaux ne ressortent pas du tout du lot…

En conclusion
Pas de doute, le Hamilton Mixtape était très attendu par les nombreux fans de la comédie musicale la plus en demande sur Broadway. L’album est de très haut niveau et devrait connaître un succès populaire d’importance. Il faut rappeler que la trame sonore de la production de Broadway avait fracassé tous les records de vente pour un album de comédie musicale, vendant plus de deux millions de copies.

La question qui tue : le Hamilton Mixtape est-il supérieur à la trame sonore originale? Non. En fait, il est très difficile de comparer les deux albums. Pour un fan de comédie musicale, le Mixtape est un complément amusant au Broadway Cast Recording. Pour un fan hip hop, le Mixtape est une introduction en douceur au monde de la comédie musicale et à l’engouement monstre entourant Hamilton.

En attendant une série de représentations en sol canadien ou une adaptation cinématographique, le Mixtape est un bonbon supplémentaire pour les milliers de fans d’Hamilton qui attendent encore et toujours de réussir à voir la production de Broadway sans avoir à réhypothéquer leur maison  😉

Vous vous rappelez du film L’École du Rock qui mettait en vedette Jack Black et qui racontait l’histoire d’un musicien raté qui apprenait à des élèves du primaire à jouer du rock ‘n’ roll? Et bien sachez que School of Rock The Musical est l’adaptation théâtrale de ce long-métrage paru en 2003.

Je vous remets dans le contexte de cette journée du 21 mai dernier : je suis en file au kiosque TKTS et je vois défiler sur un grand panneau lumineux toutes les comédies musicales et pièces de théâtre disponibles à rabais. Pour une des rares fois dans ma vie où je n’attends pas mon tour en sachant exactement ce que je veux voir, je me laisse tenter parce ce que me propose l’écran rouge. Au final, j’hésite entre deux spectacles : The Curious Incident of a Dog in the Night-time, la pièce de théâtre dramatique et éclatée qui a tout raflé aux Tony Awards l’an dernier, et School of Rock, une nouvelle œuvre d’Andrew Lloyd Webber adaptée d’un film que j’avais beaucoup aimé. Le point tournant de ma décision? J’avais envie de rire! J’avais déjà mes billets pour deux comédies musicales dramatiques le lendemain, alors j’avais envie d’un spectacle où j’allais rire. Je venais donc d’éliminer The Curious Incident… J’allais passer l’après-midi au mythique Winter Garden Theatre où, paraît-il, on peut encore trouver des poils de chat sous les sièges (pour ceux qui ne comprennent pas ma référence pas trop évidente : Cats y a tenu l’affiche pendant 18 ans). En choisissant School of Rock, je voulais rire et j’ai été servi. Par contre, je n’avais aucune idée qu’entre mes multiples éclats de rire, j’allais aussi être ému.

Avec School of Rock, les comparaisons avec Matilda the Musical (que j’ai ADORÉ!) sont multiples : un grand nombre d’enfants surdoués tiennent des rôles importants, l’histoire se déroule dans une école, la pièce est une adaptation d’un film populaire, etc, etc. Le fait que School of Rock ouvre ses portes trois années après Matilda ne l’avantage pas parce que toutes ressemblances peuvent être interprétées comme une « copie » de l’autre.

Ayant écouté la trame sonore de School of Rock et ayant vu plusieurs extraits vidéo de l’œuvre, je m’attendais à passer un très bon moment, sans plus. À mes yeux, la barre mise très haute par Matilda n’allait pas être atteinte, et j’ai le plaisir de vous annoncer que je me trompais!

Ma première description à ma blonde quand je l’ai rejointe à notre chambre d’hôtel après le spectacle a été : « School of Rock, c’est Matilda sur le Red Bull! »

Pour en terminer avec les comparaisons et finalement entrer dans le vif de ma critique : Matilda est une production beaucoup plus peaufinée dont la mise en scène Robert-Lepagesque est ingénieuse et éclatée, alors que l’histoire de School of Rock est beaucoup plus percutante et sentie. Je suis sortie du théâtre le sourire fendu jusqu’aux oreilles avec l’impression d’avoir reçu en pleine face une gigantesque dose de bonheur et de riffs de guitare endiablés!

D’abord, School of Rock raconte l’histoire de Dewey Finn, un rocker bedonnant et raté dont le colocataire, Ned, est un ami d’enfance et enseignant au primaire. Un bon matin, le téléphone sonne et c’est la directrice de la très réputée Horace Green School qui cherche un remplaçant pour une enseignante absente. Dewey, qui croule sous les dettes, décide de se faire passer pour Ned et de remplacer dans cette classe de 5^e année. Pensant surveiller une bande de morveux hautains, Dewey découvre éventuellement qu’ils sont doués en musique. Il décide donc de leur enseigner le rock et de les inscrire au Battle of the Band pour tenter de détrôner son ancien groupe qui l’a récemment congédié. S’en suivent des jams forts en décibels, des quiproquos amusants et un début d’histoire d’amour entre Dewey et la directrice de l’école. Ajoutez à cela les préoccupations des jeunes qui sont délaissés par leurs parents riches et absents ainsi qu’une élève gênée qui trouve sa voie (et sa voix!) et vous avez une œuvre surprenante, touchante et amusante.

Le point le plus fort? Les jeunes qui jouent RÉELLEMENT de la musique rock. À travers les années sur Broadway, on a vu des jeunes acteurs chanter, danser et acter avec brio. Par contre, la dizaine d’enfants dans School of Rock ont une quatrième corde à leur arc : ce sont des virtuoses! La petite Katie, haute comme trois pommes, troque son violoncelle pour une basse électrique et excelle autant dans le Bach que dans le hard rock. Le petit Zack performe des solos de guitare électrique qui pourraient rendre jaloux Eddie Van Halen. Chacun des petits virtuoses chante très bien, interprète son personnage avec justesse et maîtrise son instrument comme un adulte ayant 10 ans de Conservatoire derrière la cravate. Et croyez-moi, les jeunes jouent pour vrai et il n’y a aucune bande préenregistrée. Même Sir Andrew Lloyd Webber, qui signe la musique, l’explique au public avant la levée du rideau.

Parlant du compositeur anglais à qui l’on doit Cats, Evita et The Phantom of the Opera, sa trame sonore pour School of Rock est définitivement l’une de ses meilleures! Webber a d’abord fait sa marque en signant la musique rock de Jesus Christ Superstar et après plusieurs essais (souvent infructueux) en musique classique, il est revenu aux sources avec des chansons accrocheuses aux influences britanniques qui vont de Deep Purple à Black Sabbath en passant par Led Zeppelin et The Rolling Stones. Ajoutez à cela les quelques chansons composées par Jack Black pour le film et vous avez une trame sonore qui pourrait très bien accompagner une balade en décapotable un soir d’été. Bref, après des décennies de grands succès, suivi par des décennies de flops, il est plaisant de voir Andrew Lloyd Webber renouer avec le succès en retournant à ses racines : le rock ‘n’ roll!

Du côté des autres performances, l’excellente Sierra Boggess, qu’on est habitué de voir dans des rôles dramatiques et classiques (The Phantom of the Opera, Love Never Dies, Les Misérables), sort de sa zone de confort en interprétant avec justesse la directrice pincée et névrosée d’Horace Green School. Pour ce qui est du rôle de Dewey, il n’y a pas de doute que le nouveau venu Alex Brightman a une réelle chance de remporter le Tony Award du meilleur acteur! À la représentation que j’ai vue, c’était sa doublure Jonathan Wagner qui tenait le rôle et ce dernier a offert une performance impeccable. Le rôle nécessite un large éventail de compétences, d’une voix rock au registre interminable à un timing comique parfait, en passant par un jeu de guitare complexe et une justesse dramatique hors pair. Autant Brightman (selon les critiques unanimes) que Wagner possèdent l’ensemble de ces compétences, leur permettant d’être le pilier central de cette mégaproduction qu’est School of Rock.

Pour le reste, les dialogues de Julian Fellowes (l’homme derrière la série Downtown Abbey) sont précis et punchés alors que la mise en scène de Laurence Connor est efficace, sans plus. C’est plutôt la scénographie d’Anna Louizos qui se démarque, alors que les transitions scéniques entre les multiples lieux se font subtilement, sans casser le rythme de l’histoire. J’ai eu un gros coup de cœur pour la plateforme rotative qui fait office de scène lors du Battle of the Band, où l’action se déroule autant devant que derrière le rideau.

Est-ce que School of Rock est une production qui passera à l’histoire? Probablement pas. Est-ce qu’on mentionnera l’œuvre dans les palmarès des plus grandes comédies musicales de Broadway? Clairement pas. Est-ce que je vous recommande School of Rock? Définitivement, OUI!

Parfois on va au théâtre pour réfléchir, parfois on y va pour être touché et parfois on y va pour être choqué… Par contre, parfois on veut simplement passer un bon moment en étant diverti. C’est exactement ce à quoi sert School of Rock! Vous rirez aux éclats, vous serez impressionné par les performances et au passage, vous serez ému. Quoi demander de mieux?